哪个牌子的小提琴好【什么品牌的小提琴最专业最好】

乐团里泡大的新科小提琴冠军，究竟比其他选手强在哪？

最近古典音乐界关注的一件大事，就是前几天结束的维尼亚夫斯基国际小提琴比赛。

21岁的中国小提琴家翁庆柱闯入决赛，获得比赛第三名。他成为该赛事87年历史上第一位进入决赛的中国选手，也是第一位获奖的中国选手，引发媒体热议。

与此同时，本次比赛的冠军前田雏，

对于很多钢琴孩子和音乐教育的家庭来说，或许有更大的启发意义。

可以说，她是这次高水平音乐比赛中名副其实的冠军。虽然选手们的技术都堪称完美，但音乐的深层表现力和感染力成为前田菲娜脱颖而出的重要因素。

她的演奏极具感染力和吸引力，强大的沟通能力让世界各地的观众不可抗拒地爱上她。

波兰音乐频道评论

看过我们之前介绍日本男子组合视频的朋友可能会觉得前田菲娜有点眼熟。没错，她就是今年夏天在网上爆红的日本学生管弦乐队中一位技艺高超的首席小提琴手（当时我们视频的封面就是她！）。

于思大赞她当时的表现，有点先知体质。

从前田菲娜身上，我们深深感受到了一个热爱音乐的孩子是如何在长期的训练中始终保持着对音乐的热情。我们也见证了她如何打破“神童长大后会变得平庸”的魔咒，用精湛的球技和强烈的情感感染力登上世界大赛的巅峰。

如果你看过前田菲娜的比赛视频，你会发现她是一位典型的“表情包”选手。

从小到大，可爱的娃娃脸总是根据音乐的情绪做出各种极端的表情。从这样的表情中我们也能感受到她内心涌出的情感。

15岁的前田碧奈vs 20岁的前田碧奈

事实上，不仅在表演过程中，前田菲娜私下里也是一个情绪化、情绪化的人。

面对镜头，她总是能毫不掩饰地露出最灿烂的笑容。

演出顺利结束后，我会毫无顾忌地哭泣，以释放长时间排练所积累的压力。

你有没有发现，连她的笑和哭都极具感染力？

这种简单、直接、温暖、真挚的情感表达能力，进一步提升了她的音乐表现力。如此饱满的情调是一种天赋，也得益于她成长的音乐环境。

前田雏在乐队中演奏长大。

2003年，为了启蒙孩子们的乐队音乐，日本超级儿童管弦乐团（超级儿童乐团）正式开始招生。著名指挥家佐渡佑担任艺术总监和指挥。此后，每年春天，无数日本钢琴男孩都参加乐团的选拔和试音，希望加入这个顶尖的青年乐团。

2010年春天，8岁的前田菲娜第一次报名参加采访。

她4岁开始拉小提琴，对佐渡佑的青年管弦乐团有着强烈的向往。她总是趴在电视机前看渡边悠的表演。

遗憾的是，第一次面试以失败告终。小前田菲娜没有放弃，回家后继续刻苦练习。最终，她在第二年成功加入乐团，成为当时乐团中最年轻的音乐家。六年后，她成为日本顶级青年乐团的首席。

前田菲娜从小就热爱音乐。后来，她在电视上看到了一个儿童音乐节目，对小提琴产生了兴趣。当她发现自己可以通过小提琴表达自己的思想和感情时，她更加爱上了手中的乐器。

很多学琴的孩子可能都经历过这样的经历，但绝大多数人在随后繁琐、枯燥的技术练习中失去了原有的对音乐的热情。

前田菲娜则不同。在乐队成长的六年让她始终保持着对音乐的新鲜感和热情。

乐团指挥佐渡佑师从日本指挥大师小泽征尔。他还曾担任指挥家、作曲家伯恩斯坦世界巡演的助理，具有非常广阔的国际视野。

他会带领孩子们体验和尝试不同的音乐风格，还会专门组织乐团成员去海外培训，体验当地的风土人情和音乐环境。

2017年，佐渡佑带领乐队成员前往维也纳训练

一起排练的日子里，音乐家之间的默契和感情也日益加深。演出前，前田菲娜会贴心地给乐队的每位成员写下小纸条，鼓励大家。

每一次精彩的演出后，很多音乐家都会激动落泪。泪水中，他们感受到辛勤工作得到回报后的成就感和集体荣誉感交织在一起。

当然，乐团的成员在不断更新迭代，但对于“老成员”前田希菜来说，这并不是一件坏事：每年加入的新乐手都会在最终演出时给乐团带来不同的音效，所以每次都期待今年的“声音”会是什么样。

正是在乐团的经历，拓宽了前田菲娜的耳朵，开阔了她的视野。没有必要遭受“等级考试”的折磨，也不需要枯燥的个人训练。她能够毫无顾忌地置身于一个开放包容的群体中，保留着她可贵的单纯和直率，以及她对音乐崇高而纯粹的热爱。

13岁的前田美奈海外演出

离开男子乐团后，前田继续在乐团中寻找自己的角色，在关西爱乐乐团和大阪爱乐乐团担任小提琴手。

在乐队中长大的前田希娜无疑是非常幸运的。

我们在之前的文章中提到过，日本有着非常开放、包容的乐团文化，因此涌现出了一大批非常高水平的学生乐团。正是在这样的乐团中，许多音乐家找到了因独立训练而失去的对音乐的热爱，他们的演奏技巧得到了迅速的提高，对音乐的认识和理解也达到了不同的水平。

高中二年级的前田希菜曾有记者采访过她。她未来想成为一名什么样的演员？她的回答是，在成为一名表演者或音乐家之前，她希望首先成为一个像老师一样温暖、受人尊敬的人；然后尽力去做任何事情，用她的音乐给观众带来享受和遐想。

前田菲娜的例子或许可以为很多钢琴孩子家庭，尤其是那些想要追求职业生涯的家庭提供新的解决问题的思路。

长期以来，很多小提琴孩子学习拉小提琴的第一目标就是成为一名“独奏家”，而加入乐团成为一名职业音乐家则成为了大家成年后的第二选择（当然，世界顶级交响乐团除外）。

但事实上，我们知道小提琴独奏者的数量是很少的。很多人抱着“我想当独奏家”的心态独自练习小提琴，但效果往往并不理想，一旦被要求与乐团一起演奏，他们就很难融入。

对于很多小提琴家来说，他们很少有机会与其他乐器进行合奏训练。即使参加比赛，也是他们第一次与乐团合作，这不可避免地导致了他们在比赛时的先天缺陷。

那么，为什么不从小培养孩子在乐团中的协作能力和表达能力呢？

音乐最初是用来表达和交流的。只有在可以交流的环境中，我们才能真正实践这门“语言”，才能更全面地理解和学习音乐。

就像掌握了高超技艺的前田希菜一样，虽然她也喜欢独奏，但她明白音乐的真谛是合作与交流。因此，她并没有晒出独奏家的光环。

她说，她也向往室内乐，因为室内乐可以达到独奏者无法发出的声音效果，而且她可以从其他音乐家和乐器身上感受到和学习更多。

这次比赛，面对从未合作过的当地乐团，她依然能够完美配合，沟通默契。这些能力是通过长期的乐团排练而磨练出来的。

同时，从前田菲娜的例子可以看出，乐团不会埋葬任何优秀的独奏家，而是培养独奏家的沃土。在青年交响乐团时，前田希菜的独奏经常受到指挥佐渡佑的称赞，这给了她在音乐上继续大胆表达自己的巨大信心和鼓励。

这也是我们创建#乐神兽#乐队品牌的原因，希望能组建更多的乐队或合奏团，为更多音乐孩子们创造交流合作的机会。我们也希望在一个有着共同表达目标的乐队中，大家都能重新找回对音乐的热爱和初心，更好地理解音乐的真谛。

十大小提琴品牌

小提琴是一种超擦音管弦乐器。它广泛流传于世界各国，是现代管弦乐团弦乐部分最重要的乐器。现代小提琴的出现已有300多年的历史。它是17世纪以来西方音乐中最重要的乐器之一。它被称为乐器女王。它的制作本身就是一门极其精致的艺术。一把好的手工小提琴是一件具有收藏价值的艺术品。

1

铃木小提琴

（亚洲第一小提琴，日本手工小提琴，已有130多年的历史，拥有悠久的生产工厂，主要源自以铃木正吉为代表的铃木家族的传统精湛工艺。铃木小提琴音量充足，音质饱满，一直深受大众喜爱。）

2

戈费玛小提琴

这个民族品牌在国内比较不知名，但在国外却比较知名。它多年来一直生产小提琴。长期为欧美众多制琴师定制高端手工小提琴。在工艺和选材方面拥有丰富的经验。与雅马哈小提琴相比，更加专业、专注。它只生产小提琴。还销往欧美一些音乐学院，多是学生的首选！ V43 是Goverman 备受赞誉的初学者入门级钢琴之一。价格实惠，做工用料扎实，性价比非常高。

3

阿玛蒂小提琴

（意大利手工小提琴是克雷莫纳三大著名制琴世家之一，阿马蒂是意大利小提琴制作师的代表人物，17、18世纪的名琴价值不菲，当时他制作的小提琴被称为“大阿马蒂”，这些小提琴至今仍受到演奏家尤其是收藏家的追捧。）

4

马吉尼小提琴

（意大利手工小提琴，吉万尼·保罗·马吉尼（Givanni Paolo Maggini）是布雷西亚学派最著名的代表，他制作的小提琴声音洪亮、音色饱满、富有穿透力，与克雷莫纳学派阿玛蒂小提琴柔和甜美的音色明显不同，以厚重、响亮、宽广着称。）

5

斯特拉迪瓦里小提琴

（意大利手工小提琴，克雷莫纳三大著名制琴家族之一，以意大利小提琴制作教父斯特拉迪瓦里为代表，17、18世纪著名小提琴，价值数百万美元，其中斯特拉迪瓦里最著名的作品《弥赛亚》估计价值数千万美元。）

6

维约姆小提琴

（法国手工小提琴已有100多年的历史，由法国小提琴制作重镇米勒库尔的一个制琴世家制作，工艺精湛，代表人物巴蒂斯特·维拉姆（Baptiste Villaume）曾致力于协助开发“吉他型小提琴”乐器）

7

埃德蒙小提琴

（英国手工小提琴，已有100多年历史，是英国知名品牌，其代表人物埃尔顿·埃德蒙为英国小提琴制作做出了杰出贡献）

8

弗朗西斯科小提琴

（意大利手工小提琴，弗朗西斯科的制琴地位仅次于尼科洛·阿马蒂，但终其一生，他并没有得到应有的声誉。经历了数百年的历史剧变，弗朗西斯科的小提琴经受了时间的考验，终于得到了高度认可；如今，他的小提琴与阿马蒂小提琴的价值不相上下。）

9

巴蒂斯塔小提琴

（以乔瓦尼·巴蒂斯塔（Giovanni Battista）为代表的意大利手工小提琴，融合了阿玛蒂一世大型小提琴（“大图案”）的优雅造型与克雷莫纳晚期解放精神的风格。）

10

福斯特小提琴

（以福斯特·威廉为代表的英国手工钢琴，结合了斯特拉迪瓦里等意大利大师作品的特点，曾受到意大利钢琴的冲击，但随着弦乐器的发展，逐渐恢复到原来的水平。）

EAR-Yoshino V12 英国胆机鬼才神作

EAR-Yoshino V12 英国功放天才的杰作

SoundBestManager泽森音频

很多人认为电子管功放电路的发展很难取得突破。大多数电子管放大器都基于前几代建立的经典电路。然而，EAR的Tim de Paravicini却脱离了传统框架，用独创的线路解决了电子管放大器的缺点。 V12 是一款前所未有的电子管放大器。它克服了传统电子管放大器低频控制有限的缺点，最大限度地发挥了电子管的超快响应速度。它表现出一种非凡的开放感、活泼感和速度感，是晶体或电子管放大器无法比拟的。

来自英国的EAR Yoshino成立于1978年，公司全称是Esoteric Audio Research。创始人兼设计师Tim de Paravicini有着“天才”的称号，在Hi End音响界享有崇高的地位。它对现代高端音响的发展有着关键的影响。相信有经验的玩家都不会陌生。音频行业的众多玩家一直将EAR的设备视为具有收藏价值的经典之作。一旦二手市场出现，往往会立即以高价出售，成为Hi End音响行业中为数不多的二手价高的收藏品之一。

因为这次是评测他们的V12真空管合并放大器，所以查了一下过刊资料，意外发现这本杂志历年关于EAR的评测屈指可数。所以趁着时隔多年再次回顾EAR设备的机会，我觉得有必要再次介绍一下EAR和Tim de Paravicini的背景和品牌历史。

不平凡的鬼才Tim de Paravicini 是高端音响行业的传奇人物。他出生于尼日利亚。他的父亲是一位地质学家，从英国远赴尼日利亚进行研究，母亲精通古典钢琴演奏。蒂姆七岁时回到英国学习。由于母亲的影响，他从小就喜欢上了音乐，13岁就开始DIY自己的扩音器。1965年，不满现状的蒂姆因为厌倦了英国的政治氛围，搬到了气候温暖的南非。当时20岁的蒂姆也和当时的很多年轻人一样热爱摇滚乐。然而，年轻的蒂姆不只是听音乐。他还帮助许多摇滚乐队设计吉他放大器甚至录音设备。当时，他甚至开设了一家专门制造音频变压器的公司，并开始与Hi End音响厂商广泛接触，担任多家厂商的幕后顾问，其中之一就是日本Luxman的南非代理商。

在日本成名有一次，Luxman总裁访问南非，与Tim讨论音频概念。他非常欣赏他的设计天才，并邀请他到日本的Luxman 工作。 Tim欣然接受了挑战，并于1972年前往位于日本大阪的Luxman总部，负责放大器的研发。当时的日本电子工业对于自己的技术有着绝对的自尊，很难接受外来者的干扰和挑战。 Luxman招募了一名27岁的英国男孩加入研发部门，这是公司的核心命脉。这在当时是一个极其不寻常的案例。没想到，年轻气盛的蒂姆入境时不仅没有遵循当地习俗，还直接与日本传统企业文化发生冲突。在研究了所有Luxman 放大器之后，他实际上认为这些产品不够好。他相信自己能够设计出更好的放大器。幸运的是，拉克斯曼态度开放，愿意接受不同的意见。他没有将蒂姆驱逐出公司，而是允许他表达自己的创造力。

蒂姆当然没有让拉克斯曼失望。他不仅设计了至今仍被视为经典的3045单声道真空管功放，还在Luxman成立50周年之际主导了C1000和M6000晶体功放的诞生。这套前后功放在当时可是轰动一时。该放大器不仅能够持续输出300瓦的高功率，其超低失真性能也超越了市场上所有顶级竞争对手。当时，HiEnd音响行业甚至引发了一场“规格大战”。一时间，所有顶级功放都以C1000和M6000为假想敌，试图在播放带宽和失真数据方面逼近C1000和M6000设定的超高标准。在Luxman 为众多音频制造商幕后工作的经历教会了Tim Japan 对品质毫不妥协的态度。

四年后，Tim 和他的日本妻子回到英国，并于1978 年创立了自己的音频品牌EAR。他们的第一款产品是使用罕见的PL509 功率管的509 单声道放大器。该放大器具有100瓦的输出功率和电子管放大器中罕见的大电流驱动能力。也确立了Tim采用原创电子管放大器电路突破传统电子管放大器局限性的设计理念。与此同时，Tim还继续为多家音响厂商进行幕后工作，为Musical Fidelity设计了红极一时的A1合并放大器，还为Quad设计了经典的QC24P真空管唱头级和II/80真空管功放。

跨足专业录音领域您认为Tim的作品仅限于家庭音响领域吗？ 20世纪80年代，他开始涉足专业录音设备领域。那时CD刚刚兴起。蒂姆是少数几个大声批评CD 分辨率不足的模拟音源的顽固支持者之一。他甚至追溯到音频重放的起源，开始研究黑胶切割技术，解决切割头的反馈问题，并为Island Records和Mobile Fidelity Sound Lab等唱片公司设计黑胶切割机。他改进的Studer 和Ampex 卷轴转盘受到录音大师Bob Rudwig 的青睐。他设计的压缩器、限制器和均衡器被谢菲尔德实验室的传奇录音工程师Doug Sax 使用，该工程师深受发烧友的喜爱。 Water Lily Acoustics是著名的发烧友独立唱片公司，采用了Tim设计的电容麦克风、真空管麦克风放大器和磁带盘。此外，音迷们熟悉的Chesky Records和Classic Records，以及披头士乐队的Pink Floyd、Paul McCartney和Ringo Starr、Kate Bush、Cassandra Wilson、Ry Cooder、Aerosmith、Bob Marley等众多知名乐队和音乐人，甚至最近红极一时的Adele的录音师Paul Epworth，都是Tim的录音设备的粉丝。在Hi End音响领域，只有一个人有能力掌握从录音到播放的每一个环节，并有能力设计出各方面顶尖的设备。纵观过去和现在，只有一个人，蒂姆·德·帕拉维奇尼。

洞悉胆机真理为什么专业录音领域这么多人喜欢使用Tim设计的设备？在接受专访时，Tim 曾直言，因为他的设备没有任何音染，所以人们可以听到声音真实的原貌。事实上，他设计的家用音响设备完全遵循了这个理念。他的真空管放大器设计理念尤其值得注意。很多人认为电子管放大器的好声音来自于偶次谐波失真，这样更悦耳，但蒂姆完全不同意。他认为电子管放大器不应该依赖这种非线性失真，任何添加到原始信号中的失真都应该最小化。很多人喜欢电子管放大器的温暖魅力，但蒂姆不同意。他认为这种暖色调来自电子管放大器高频延伸有限、使用劣质变压器以及输出阻抗过大等设计缺陷。很多人认为Tim只专攻电子管放大器，但事实上，Tim从Luxman时期就开始练习真空管和晶体放大器。 EAR推出的312前置放大器和M100A单声道旗舰放大器均采用晶体架构。对他来说，电子管放大器和晶体放大器的主要区别来自于电路设计，而不是真空管或晶体元件的差异。只要电路设计得当，电子管放大器和晶体放大器都可以产生同样高品质的声音。

破解阻尼因子迷思既然如此，为什么EAR的产品总是以电子管放大器为主？据蒂姆说，主要原因是“电子管放大器需要克服的问题比晶体放大器少。”真空管具有增益较高、响应速度较快的先天优势。为了降低工作温度和制造成本，晶机通常采用AB类放大设计，必须施加大量负反馈来减少这条线路的交越失真。这时就会出现相位失真，会对音乐播放造成损害。

许多人认为电子管放大器的阻尼系数较低，因此其控制低频的能力有限。 Tim对此也有独到的见解。他相信，通过简单的计算，就可以解决阻尼系数的迷思。对于一般的8欧负载音箱来说，阻尼系数其实都在10以上，低频控制上并没有明显的差别。大多数人认为晶体电机低频控制效果更好的主要原因并不是因为晶体电机的阻尼系数较高。影响较大的其实是负反馈电路的设计、频率响应的分布、过载失真的恢复能力等。

不套用传统胆机线路V12的真空管配置也与传统电子管放大器有很大不同。它摆脱了传统电子管放大器中常见的超线性或直热式三级电子管架构。总共使用了12只EL84功率管和10只ECC83信号管。其中，EL84每通道配置3对。它以纯A类、五极管、并行推挽模式工作，输出功率为50瓦。 ECC83 每通道配置5 个。电压放大后，阴极跟随耦合器作为缓冲级，直接连接到输出级。一方面可以消除交联电容的失真，另一方面可以产生更充足的电流，有助于提升低频表现。

造型源自Jaguar V12引擎Tim为什么选择EL84作为V12的功率管？原厂资料中并没有说明，但诞生于真空管时代后期的EL84确实是一款特性优良的电子管。它具有良好的推力、极低的失真度，并且非常耐用。重要的是它并不贵。即使更换一整套12颗EL84，成本也不会太高。值得一提的是，Tim非常重视电子管放大器的稳定性和耐用性。他设计的电子管放大器的真空管比普通电子管放大器的寿命更长。用户可以安心聆听音乐，无需担心真空管老化太快。

V12的外观也是一大亮点。独特的造型源自蒂姆最喜欢的英国捷豹经典跑车V12发动机。 V12车型想必就是由此而来。拱形机箱两侧各有两通道真空管，机箱中央设置有电源变压器和两路输出变压器。它看起来确实很像汽车的V形发动机。关键是这款底盘的左右重量是对称的，相信这将有助于减少底盘共振。

超水平驱动力V12的50瓦功率有多大？真的如原厂声称的那样，克服了胆机低频控制有限的问题吗？我首先尝试使用Marten Django XL 扬声器。虽然这款音箱的灵敏度为89dB，不算低，但每声道驱动三个8英寸低音单元并不容易。 V12能胜任这项工作吗？聆听两位伟大吉他手拉里·卡尔顿和罗本·福特合作的现场表演专辑《Unplugged》，可以看到贝斯演奏的低频丰满度非常好，鼓乐的冲击力也很强。关键是低频的扩展和扩展不仅快，而且非常自然、有弹性。严格来说，低频如果能紧一点就更好了，但在这本杂志偌大的听音室里，即使大音量听，声音也没有被压缩和克制。对于50瓦的放大器来说，这已经是超水平的表现了。

弦乐温润圆滑V12的音质是否像Tim说的那么好，没有任何音染？我分别测试了小提琴和钢琴的播放表现。初听曾钰坚的《遐想》专辑，我的第一个发现就是小提琴的运弓和转体比以前听过的更加灵活，声音的拉伸更加开阔，音乐的进行也没有拘束的流动，而不是死板的演奏。第二个发现是钢琴的声线具有温暖、流畅的质感。 V12的小提琴音质确实比普通水晶机要温暖一些，但我觉得这个“温暖”并不是泛黄模糊的着色，而是小提琴音质中应有的温暖质感，让钢琴的声音更加自然真实。

接近单端管机的透明感李云迪 梦想之声第二季第九期

听李云迪演奏的李斯特钢琴曲《钟声》，第一次敲高音键时，我发现高频泛音瞬间飘散，充满了整个聆听空间。如此丰富的泛音延伸是我以前听这首曲子时很少体验到的。这种丰富的泛音不仅为琴键增添了高贵的光泽，也让整体的演奏更加真实。还有一点引起我注意的是，V12的钢琴音质非常通透纯净，听不到任何杂质，短音符跳跃得非常灵巧。这种透明度和灵敏的响应速度其实已经非常接近我听过的直热式单端放大器了。可见Tim独创的五级管并联推挽电路在减少失真、提高音质纯净度方面确实有独到之处。接下来，我尝试将扬声器更换为灵敏度更高（89dB）的天朗伊顿（Tannoy Eaton）。没想到这一改变却引起了整体播放效果的巨大变化。与前一组搭配时，我发现V12的声底特别活泼、开放。没想到，与伊顿搭配后，这一特点进一步展现出来。

聆听爵士蓝调女歌手玛丽·斯托林斯(Mary Stallings) 1961 年首张专辑《Cal Tjader Plays Mary Stallings Sings》中演唱的《Mighty Rumblin' Blues》，宽松、开放、奔放的歌声立刻让我竖起了耳朵。我还发现这样的组合可以让她的演唱更加轻松、开放。如果你喜欢布鲁斯音乐，你应该知道这种“放松”对于布鲁斯演唱来说非常重要。这一组合的演绎简直将Mary Stallings独特的、奔放的、宽广的、响亮的、悠闲的布鲁斯歌声活灵活现地展现出来。

绝佳的开放感与活生感听日本爵士歌手李静子演唱的《距离》，我发现这样的组合也能更轻松地表达她的歌声，钢琴的高音听起来更清爽，但情感的浓度不会因此而被冲淡。写到这里，有些人可能会觉得奇怪。很多人认为传统的天朗经典同轴单元有着厚重温暖的声底和相对克制的高频。为什么我听到的声音如此开放和爽朗？事实上，很多人认为天朗经典同轴单元声音内敛、高音甚至有点沉闷的刻板印象是不正确的。只要搭配得当，天朗经典同轴单元其实可以非常开放、活泼、灵活。新一代Legacy系列的高频延伸和低频速度得到了进一步的提升。当与活泼感特别好的V12搭配时，整体的开放、宽松、灵活得到了简单的释放。

这套组合的低频表现又是如何？聆听伦纳德·科赫演唱的《深深的千吻》。这样的组合可以忠实地表现出他深沉、厚重、松散、富有磁性的声音。低频的弹性特别自然、柔和。再次聆听摇滚吉他手Steve Lukather 的《All's Well That Ends》